Modernism – Modernismen under 1920

1920-talet, efterkrigstiden efter Första Världskriget präglades av förändring, återuppbyggnad och framtidstro, samtidigt som en ny traditionalism blev stark. Under 1920-talet blev Art Deco den stora trenden inom konst och arkitektur. Expressionism och surrealism växte också fram som konströrelser i Europa. Avant Garde och Dada har sina rötter i 20-talet. Edvard Munch, Wassily Kandinsky, Erich Heckel och Franz Marc är konstnärer som är tidstypiska för just 1920-talets modernism.

1920-talet, det vilda 20-talet eller ”The Roaring Twenties” kännetecknas främst av en stark skillnad mellan traditionalister och modernister. Ibland säger man att under 1920-talet så fanns det i princip bara två slags personer. Antingen var man traditionalist eller modernist.

 

Modernist eller traditionalist?

Traditionalisterna ville leva det enkla livet, männen ville ha en fru och barn, och mestadels var idealet att ha en egen gård. Modernister däremot var yngre människor som ville ha mer spänning i livet. Det är då klaffar, eller kvinnor som bär korta klänningar och dansar, uppfanns. Traditionalister var människor som hade djup respekt för långvariga kulturella och religiösa värderingar. För dem var dessa värden ankare som gav samhället ordning och stabilitet.

Modernister däremot var människor som omfamnade nya idéer, stilar och sociala trender. För dem var traditionella värden kedjor som begränsade både individuell frihet och strävan efter lycka. När dessa grupper kolliderade på 1920-talet blev det amerikanska samhället djupt splittrat. Försvarare av traditionell moral beklagade ”flammande ungdomars” beteende. De motsatte sig att dricka och stödde förbud. Gammal religion stod inför modern vetenskap. Resultatet blev ett slags ”kulturkrig” som på vissa sätt fortfarande utkämpas idag.

Den här tidens nya värden, sammanfattat modernismen, var kärnan i ungdomsrörelsen och utmanade de gamla, anti-moderna värderingarna från generationen före dem. Medan antimodernismen uppskattade det förflutna, lägger modernisterna större tonvikt på nutiden och framtiden, eftersom ungdomen alltid såg fram emot vad som var nästa och vilka förändringar som skulle komma deras väg. Stadsliv och snabba stadsliv blev ett främsta motiv för den modernistiska rörelsen medan antimodernisterna stannade i små samhällen, gårdar och byar. Idealet för antimodernismens samhällsliv ersattes av individualitet i den meningen att jaget inte längre var bunden till samhället.

Till och med tiden omdefinierades av de nya modernistiska värdena med ett arbetsschema på nio till fem som formade livet för många av stadsborna medan antimodernisterna hade en cyklisk känsla av tid på sina gårdar med de fastställda årstiderna och skördetiderna. Denna modernistiska rörelse leddes av den växande självständigheten, befrielsen och firandet av ungdomar under denna period. Ungdomar lämnade sina byar och gårdar för att driva liv i staden och stötte på en uppsjö av nya upplevelser och frågor som de inte hade stött på i sina antimodernistiska skydd.

 

Första världskriget – splittring och psykisk ohälsa

Första världskriget hade en förödande effekt på Europa och på alla män, kvinnors och barns psykes som det nådde. Inom konsten skedde en bestämd förändring efter första världskriget mot begreppen ordning, harmoni och skönhet för att motverka krigsmaskinens kaos, uppdelning och fulhet. En anledning var rekonstruktionen: diken krigföring och artilleri beskjutningen av världens första moderna krig verkligen huggit upp det europeiska landskapet, och återhämtningsinsatser krävde en viss organisation. En annan var försoning: Europa behövde samlas och läka efter kriget snarare än att glida in i fraktioner baserade på krigstid. Om länkar skulle kunna göras, säg till ett gemensamt grekisk-romerskt förflutet (exemplifierat konstnärligt i föreställningar om ordning, proportioner och skönhet), kan det göra det möjligt för européer att se varandra på nytt.

En tredje anledning kan beskrivas på följande sätt för att verkligen driva poängen hem för studenter: efter att ha bevittnat 16 000 000 dödsfall (och 20 000 000 fler sårade och vansirade) ansåg vissa tidiga abstraktionister det omänskligt – till och med barbariskt – att representera människokroppen som förvrängd eller fragmenterad som kubismen och expressionismen före kriget gjorde. Det fanns till och med en känsla bland en liten uppsättning intellektuella att första världskriget var något som liknade gudomligt straff för modernitetens dekadens, och att abstraktion inom konsten var symptomatisk för denna dekadens. I slutändan pekade allt detta på en trend mot ordning under mellankrigstiden.

 

Purismens mellankrigstid

Purism är ett utmärkt ställe att börja med att skissera detta skifte. Amédée Ozenfant och Charles-Édouard Jeanneret (senare känd som Le Corbusier) publicerade det puristiska manifestet ”Après le cubisme” (”Efter kubismen”) 1918 och förklarade den tidigare abstrakta rörelsen död och förkämpar stabilitet och inneboende ordning i sin konst. Jeannerets stilleben är ett exempel. Medan lika modernt som en kubistisk duk (det finns inget riktigt försök till naturalism, utan istället en hårdkantad abstraktion byggd på solida, geometriska former), finns det fortfarande en ”sanering” som förekommer i Jeannerets målning som mildrar förvirringen och kaoset hos den mer formellt utmanande kubismen.

Faktum är att många av de mer radikala artisterna under förkrigstiden upplevde något av en kris när det gäller att ta itu med abstraktion efter första världskriget. Denna formellt retrograda rörelse inom avantgardekretsar före kriget har kallats Return to Order. Utan att utreda saken är det ändå lärorikt och effektivt att visa två verk av den italienska futuristen Gino Severini och två av Picasso som indikerar de modifierade insatserna i deras konst före och efter kriget. Armored Train av Severini är ett absolut firande av krigsmaskinen som målas strax efter Italiens engagemang. Den svängande, upprätta (kanske till och med transcendenta?) Formen av tåget som bär soldater som skjuter gevär är målade i en mängd pastellfärger som estetiserar mod och våld i strid.

Två pierrots, målade i efterdyningarna av konflikten, visar Severini i ett ansikte och målar ett naturalistiskt porträtt av två skådespelare från teatergruppen Commedia dell’Arte, som började i Italien på 1600-talet. Picassos Three Women at a Spring, sett i jämförelse med hans tidigare Les Demoiselles d’Avignon är slående i den geometriskt underbyggda soliditeten hos sina figurer, med sina kraftfulla, kolonnliknande ben (notera ”fluting” skapad av deras romerska -stil klänningar) och stabila poser. Medan det bör noteras att Picasso fortsatte att måla i kubistisk stil under dessa år tillsammans med målningar som Three Women, blev han ändå påverkad och påverkad av Return to Order.

 

Strävan efter organiserad harmoni

Detta betyder dock inte att alla försök till efterkrigstidens organisation och harmoni var reträtt. Några av de mest radikala abstraktionerna som modernismen presenterade byggdes också kring principerna om enkelhet, ordning och funktionalitet. Neoplasticism, även känd som De Stijl (”The Style”), började i Nederländerna 1917 som ett försök att nå universella principer i konsten genom att reducera den till dess mest väsentliga sätt att forma och färga. Piet Mondrians pastillkomposition med rött, grått, gult, blått och svart, till exempel, begränsar sig till horisontella och vertikala linjer; primära färger; och vitt, grått och svart: frånvaron och förekomsten av vissa mängder pigment.

Genom att arbeta inom dessa mest grundläggande parametrar motstår Mondrians arbete igenkännliga bilder, som alltid nödvändigtvis har olika betydelse baserat på kulturen som producerar det. På grund av sin enkla geometri och balans kunde neoplastismen lätt flytta sig från måleri till design och arkitektur. Faktum är att diamantorienteringen i Mondrians Lozenge Composition får sina horisontella och vertikala linjer att sluta i diagonala raster i slutet av duken. Eftersom det inte finns någon ram runt målningen tenderar ögat att ”komplettera” de dynamiska svarta diagonalerna genom att fortsätta dem på väggen på vilken duken är monterad. Genom att skapa denna visuella effekt skapade Mondrian i huvudsak en liten målning som ändå villkorar vår upplevelse av en hel vägg; Utöver de höga universella målen passerar den här målningen på ett smart sätt en gräns till praktisk och funktionell inredning.