Modernism – Modernismen under 1910-talet

Der Blaue Reiter (The Blue Rider) bildades 1911 i München och fokuserade på möjligheten till ren abstraktion (konst utan igenkännliga objekt). Ledaren för Der Blaue Reiter, Wassily Kandinsky, som räknas som en av abstraktionens urgrundare inom modernism, skrev en inflytelserik avhandling med titeln On the Spiritual in Art 1910 som bland annat hävdade att abstraktion erbjöd en universalitet som representation inte kunde, och att färgen agerade autonomt från form som en bärare för andlig värden som tros vara förlorade i modernitetsupplevelsen.

 

Musikens harmonier: ideal för modenismens abstraktion

Kandinskys komposition VII ger ett utmärkt tillfälle att förklara det ibland svåra abstraktionskonceptet för studenter. Om, som Kandinsky föreslår, färg kan existera utanför formen, hur skulle det se ut? Kandinsky och hans anhängare tyckte om att jämföra bildkonst med musik. Tänk på termer som används ömsesidigt för att beskriva konst och musik, som ton, harmoni och – för Kandinsky – namnen på själva hans målningar: Komposition, Improvisation, Study (Étude). Musik var i expressionisternas ögon den perfekta metaforen för abstrakt konst; även om den har form och ton, även om den kan kännas och höras, kan dess former inte ses.

 

 

De kan dock skrivas, noteras och visualiseras. Någon kan bära en ”högljudd” skjorta, Matisse skapade ”harmoniska kompositioner” och Kandinsky – i komposition VII – målade en extremt ”kakofon” scen. Även om formerna här är utom oigenkännliga (forskare har läst vissa av Kandinskys dukar som apokalyptiska scener med abstrakta bilder som tas bort från Uppenbarelseboken) kommunicerar konstnären skakning (igen, man måste sträva efter ljud som en analogi!), Konflikt och våldsamma energier genom hans manipulation av form och färg separerad från objektiv verklighet.

Denna koppling mellan modern konst och musik gick inte förlorad för kubisterna, som regelbundet inkluderade gitarrer, pianon och fioler i sina kompositioner (Georges Braques hyllning till JS Bach kommer att tänka på), eller futuristerna eller dadaisterna som följde dem, för den delen. Men initialt kom den kubistiska formanalysen direkt från Pablo Picasso och Braques studie av Cézanne. En jämförelse mellan De stora badarna och Picassos pre-kubistiska period Saltimbanques-familjen gör den visuella skulden omedelbar uppenbar genom Picassos val av palett, hans hantering av färg och konstruktion av former genom små, grova penseldrag.

 

Hård geometri och kraftfulla uttryck

När han målade Les Demoiselles d’Avignon (de unga damerna i Avignon) hade Picasso emellertid tydligt drivit bortom Cézannes experiment till ett nytt visuellt idiom. Trots att han inkluderade en smart hänvisning till den äldre konstnärens förkärlek för att måla stilleben från kilter från flera perspektiv (det lilla arrangemanget av frukt som inte riktigt sitter i sin halvmåneformade skål på ett obekvämt skjutbord vid dukens fot), Krossade Picasso Cézannes enhetliga komposition i hårda kanter. Så här är det till exempel möjligt att se kvinnorna han representerade både frontalt och i profil. Det var denna unika stil – som betonade den hårda geometrin som ligger bakom Picassos form – som fick kritiker att hänvisa till den nya målningsstilen som kubism. Flera av kvinnans ansikten ersätts också med eller modelleras på afrikanska masker som Picasso såg utställda i etnografiska museer, vilket indikerar hans egen användning av primitivism för att hitta nya uttrycksformer och för att skilja sin moderna konst från den västerländska konstnärliga traditionen.

 

 

De visuella innovationerna inom kubism och expressionism katalyserade konstnärer över hela Europa som försökte uttrycka den moderna tidsåldern i sin konst. I Italien (och senare i Ryssland) omfamnade futurismen moderniteten och försökte specifikt integrera framsteg från vetenskap och industri i sin mångfacetterade produktion. ”Grundandet och manifestet av futurismen” publicerat av Filippo Tommaso Marinetti 1909 (efter en livsförändrande händelse där han sprang sin bil från vägen och slängde den i ett dike) var den första i en serie dynamiska, stridiga och eldsvåda. texter publicerade av rörelsens konstnärer, som flyttade in i ett brett spektrum av konstnärliga medier: litteratur, teater och scenografi, måleri, skulptur, arkitektur, dans, fotografi, lek, kläder, film och så vidare. Deras krigsmässiga retorik och firandet av den moderna maskinen slutade inte heller på konstnärlig nivå; futuristerna grät högt för Italiens ingripande i det första moderna, mekaniska kriget (första världskriget), och de flesta av de ursprungliga coterierna av futuristiska artister kämpade för den italienska armén. Tyvärr dog två av de viktigaste tidiga futuristerna (Umberto Boccioni och Antonio Sant’Elia) som ett resultat av deras engagemang.

Innan hans död 1916 var Boccioni kanske den mest inflytelserika konstnären i rörelsen, som en målare, skulptör och författare som till stor del skrev ”Tekniska manifestet för futuristisk målning” 1910. Samtidiga visioner inkapslar många av futurismens stora teman. Framtagen av det moderna livets galna takt, trodde futuristerna på begreppet samtidighet: den tiden hände allt på plats